"No era un héroe": cómo se borraron los oscuros y violentos orígenes medievales de Robin Hood

 

 

Por Caryn James
BBC

 

Advertencia: Este artículo contiene una descripción gráfica de violencia que algunas personas podrían encontrar perturbadora.

 

Robin Hood comenzó como una tradición oral en el siglo XII antes de transformarse en un estereotipo heroico y apto para toda la familia. Pero ahora hay nuevas versiones que están recuperando su lado oscuro.

Cuando el escritor y director Michael Sarnoski empezó a rodar su nueva película -The Death of Robin Hood ("La muerte de Robin Hood")-, le mostró al elenco y al equipo una que siempre le ha encantado.

Era la Robin Hood animada de Disney de 1973, cuyo héroe es un zorro con una pluma en su gorro verde, que roba a los ricos para darles a los pobres.

Esa querida versión no podría ser más distinta de "La muerte de Robin Hood", el oscuro y reflexivo drama de Sarnoski.

Hugh Jackman interpreta a un Robin Hood canoso, curtido por las batallas, que reflexiona al final de su vida y es plenamente consciente de su propia leyenda.

Cuando se encuentra con una mujer que habla del virtuoso Robin Hood, defensor de la justicia, él niega quién es y habla de sí mismo en tercera persona.

"No era un héroe. Robaba y mataba por el placer de hacerlo, nada más".

Resulta que este Robin Hood violento y otras reinterpretaciones que cuestionan su imagen heroica y bienintencionada están más cerca de las leyendas medievales originales que el estereotipo familiar que solemos imaginar hoy en día.

La representación de Robin Hood ha evolucionado a lo largo de los siglos; cada cambio refleja la época que lo reinterpretó.

Estas versiones más sombrías del siglo XXI miran hacia los orígenes de la historia pero, como señalan algunos de sus creadores, también hablan del presente.

Las visiones complejas del personaje desafían a un mundo polarizado en el que héroes y villanos suelen ser o totalmente buenos o totalmente malos, una simplificación equiparable a la que experimentó la leyenda de Robin Hood con el paso de los siglos.

Las historias sobre Robin Hood comenzaron como una tradición oral en el siglo XII, y los primeros relatos escritos aparecieron 200 años más tarde.

 

En un epílogo de su novela revisionista The Traitor of Sherwood Forest ("El traidor del bosque de Sherwood"), publicada en 2025, la historiadora medieval Amy S. Kaufman describe al Robin Hood de las primeras leyendas como "un embaucador medieval moralmente ambiguo" y "un pícaro violento e irreverente".

Disney acertó en una cosa: las primeras baladas sugieren que Robin era tan astuto como un zorro.

Un cambio importante en la historia se produjo en el siglo XVI.

El rey Enrique VIII era un admirador y a veces se disfrazaba de Robin Hood. Durante el reinado de este monarca, que se separó de la Iglesia católica, la devoción de Robin Hood a la Virgen María desapareció de la leyenda.

A medida que las clases altas lo adoptaron, en las influyentes crónicas de la época el personaje dejó de odiar a la nobleza y pasó a ser noble él mismo.

Presentado como un noble moralmente recto que lucha contra sus iguales de mala reputación, dejó de cuestionar la estructura de poder de la sociedad.

Las historias comenzaron como una tradición oral en el siglo XII, pero los primeros relatos escritos no aparecieron hasta dos siglos después, en baladas que ya lo presentaban como una figura célebre.

Fue reclutado para ayudar al buen rey Ricardo a recuperar el trono que había sido usurpado por su malvado hermano, el príncipe Juan, un tópico que persiste en la representación de Disney de Juan como un león codicioso y ávido de poder.

 

¿Quién era Robin Hood?

Aunque ha habido bastante especulación sobre un Robin Hood real, los historiadores coinciden en gran medida en que no hubo una única persona viva detrás del personaje, sino más bien una sociedad profundamente desigual de terratenientes ricos y campesinos empobrecidos que inspiró su creación.

En esos primeros relatos escritos, no era el noble Sir Robin de Locksley que las versiones posteriores describieron. No era noble en absoluto, sino un yeoman, una suerte de campesino acomodado.

Tampoco había ninguna Marian en la historia hasta el siglo XVI. Y aunque Robin Hood se mostraba bastante amable con los pobres, ayudarlos no era su propósito principal.

Sus enemigos eran el clero corrupto y los nobles terratenientes que abusaban de sus subordinados.

Durante el siglo XIX, los libros infantiles ayudaron a convertir aún más a Robin Hood en un bienhechor idealizado, aceptable para los victorianos.

Y en el siglo XX, el cine perpetuó esa imagen, con el ídolo cinematográfico Errol Flynn como el audaz Sir Robin en la popular película The Adventures of Robin Hood ("Las aventura de Robin Hood"), de 1938.

Disney, en quizá la versión más influyente, consolidó esa imagen en la cultura.

 

"Dos versiones del mismo personaje"

 

La película de Disney de 1973, con un zorro como el protagonista Robin Hood, consolidó en la cultura su imagen de héroe aventurero y benefactor.

 

Sarnoski le cuenta a la BBC que el contraste entre la película de Disney y las leyendas originales le ha fascinado desde la infancia, cuando leyó una versión de la balada medieval "La muerte de Robin Hood" en libro infantil.

Allí, Robin muere en silencio, asesinado por una priora malvada y su amante.

"Conocer al Robin Hood de Disney y luego leer 'La muerte de Robin Hood', y tratar de asimilar esas dos versiones del personaje -intentar entender cómo pueden ser el mismo personaje- fue algo que realmente se me quedó grabado de niño", dice.

En la película de Sarnoski, Robin Hood resulta herido durante una batalla -una flecha atraviesa la parte posterior de la cabeza de un muchacho y sale por su ojo- y es llevado a un priorato para recuperarse.

Jodie Comer interpreta a la priora, quien, a diferencia de su retrato en la balada, es bondadosa.

"No quería que la priora fuera simplemente una monja malvada sin matices, ni que Robin Hood fuera solo un héroe bondadoso sin complejidad", explica Sarnoski sobre su intención de crear personajes más matizados.

Y, a medida que Robin reflexiona sobre su pasado y empieza a arrepentirse, "la película se convierte realmente en una historia sobre él enfrentándose a su propia leyenda y también a su deseo de lo que considera una muerte justa", señala.

La falsedad de las leyendas es también un tema central en la novela de Kaufman, y Disney influyó igualmente en sus primeras impresiones.

"Crecí con el Robin Hood zorro, y luego entré en los estudios medievales y descubrí las baladas, y pensé: '¿Dónde está mi Robin Hood, el que conozco y amo?'", le cuenta a la BBC.

The Traitor of Sherwood Forest se centra en la ficticia Jane, una campesina que se deja cautivar por la leyenda de Robin Hood.

Se queda prendada de él y se une a su banda de forajidos, pero empieza a preguntarse si su imagen heroica -y el propio Robin Hood, tan seductor- no la han llevado por mal camino.

El Robin Hood de Kaufman, ni héroe ni villano, es fiel a los orígenes del personaje.

En las baladas, dice ella, "es increíblemente subversivo cuando se observa cómo se enfrenta a quienes ostentan el poder, como los reyes, la nobleza o la Iglesia. Pero también, en todas las baladas, o bien tiene un final trágico o es víctima de sus propios defectos".

 

En la pantalla, actores desde Douglas Fairbanks hasta Kevin Costner han interpretado el papel de Robin Hood y casi todos siguen la imagen estereotipada.

En el siglo pasado, este tipo de visiones complejas de Robin Hood fueron poco frecuentes.

En la pantalla, actores como Douglas Fairbanks, Kevin Costner y Russell Crowe han interpretado el papel, y casi todos siguen la imagen estereotipada.

Una excepción destacada es Robin and Marian (1976), una película inteligente y elegante que merece ser mucho más conocida.

Sean Connery interpreta a un Robin envejecido, que se reencuentra después de varias décadas con Marian (Audrey Hepburn), ahora priora.

Este Robin niega que las historias legendarias sean ciertas y se muestra reflexivo al final de su vida.

"No dejo de pensar en toda la muerte que he visto", le dice a Marian, y se pregunta para qué sirvió.

 

Una historia antigua que se siente actual 

Hugh Jackman protagoniza la nueva película de A24, una reinterpretación de Robin Hood que remite a la leyenda medieval original y oscura (Crédito: A24).

 

 

Este tipo de preguntas sobre el poder, los héroes y la manera en que se cuentan sus historias es precisamente lo que hace que las visiones revisionistas resulten tan contemporáneas.

"El mundo está concentrando el poder de formas similares a las de la Edad Media", dice Kaufman. "Algunas de las cosas en las que ellos tenían que pensar son cosas en las que nosotros vamos a tener que pensar".

Sarnoski señala cómo sus personajes utilizan las historias como una forma de poder.

"Robin Hood usaba las historias como un arma y como un medio para perpetuar la violencia", pues así atraía seguidores, afirma.

En contraste, "la priora utiliza las historias como una manera de ayudar y sanar a la gente", añade.

Esas estrategias están por todas partes hoy en día. "Estamos completamente inmersos en narrativas en este momento, entre las redes sociales, internet y todo lo que nos rodea", dice Sarnoski.

"Nos apresuramos a encasillarnos en bandos y en tribalismos, a crear héroes y villanos, y no a vivir en la zona gris en la que realmente existe la vida", señala.

Por más impactantes que resulten estas nuevas versiones más oscuras de Robin Hood, es poco probable que sustituyan la imagen "disneyficada".

"No todo el mundo quiere que se vea alterada su fantasía de Robin Hood", sostiene Kaufman.

"Se ha convertido en algo parecido a Santa Claus, en el sentido de que representa algo más grande que lo que fue la leyenda original".

Esta nota es una adaptación de una nota publicada en inglés. Puedes leer la version original aquí.

 

Fuente: Orígenes medievales de Robin Hood 

 

 

 

 

 

 

 

Mercenarios y oportunistas: la verdadera historia de los samurái, los guerreros milenarios de Japón

 

 

Ningún otro grupo social medieval ha sido tan celebrado o mitificado de manera tan constante en la cultura popular como los samuráis.

 

Por Matthew Wilson
BBC Culture 

 

 

La perdurable herencia de los samuráis es un fenómeno singular en la historia cultural.

 

Ningún otro grupo social medieval ha sido tan celebrado o mitificado de manera tan constante en la cultura popular, desde los grabados ukiyo-e del siglo XVIII hasta los videojuegos, series de televisión y películas contemporáneas.

El arco de la fama siempre tiende a la falsificación, y así ocurre con los samuráis: ¿eran realmente estos legendarios caballeros de antaño tan intrépidos, leales, autosacrificados, disciplinados y exclusivamente japoneses como pensábamos?

No según una exposición del Museo Británico sobre los samuráis que busca disipar la cortina de humo de fantasía que rodea a estos guerreros misteriosos y tan mal comprendidos, para revelar su historia verdadera, mucho más fascinante.

"No eran un grupo uniforme de personas a lo largo de la historia", dice a la BBC la curadora de la exposición, Rosina Buckland.

"Creo que la percepción en Occidente es que los samuráis son guerreros y ciertamente lo eran. Así surgieron y ascendieron a posiciones de poder en la Edad Media. Pero eso no es todo".

Los orígenes de los samuráis se remontan al siglo X, cuando fueron reclutados por primera vez como mercenarios para las cortes imperiales.

Evolucionaron hasta convertirse en una pequeña nobleza rural pero no eran, como se les consideró más tarde, cruzados que seguían códigos caballerescos consagrados por el tiempo.

 

El origen de los samurái se remonta al Siglo X, cuando fueron reclutados como mercenarios.   

 

En batalla tendían a usar tácticas oportunistas como emboscadas y engaños, y a menudo estaban motivados más por recompensas de tierras y estatus que por un sentido del honor o del deber desinteresado.

Su mentalidad adaptable significaba que también adoptaban influencias multiculturales y tecnología extranjera, otro aspecto sorprendente de la identidad samurái.

La coraza de un magnífico traje de armadura samurái expuesto en la exhibición estaba basada en un diseño portugués.

Tiene un frente puntiagudo y lados angulados para desviar balas de mosquete, características que solo se volvieron necesarias después de la importación de armas de fuego europeas a Japón en 1543.

 

"La cultura es poder"

Los samuráis alcanzaron el poder político aprovechando el caos causado por disputas sobre la sucesión imperial. Finalmente, un clan dominante, los Minamoto, tomó el control y estableció un nuevo gobierno en 1185, paralelo a la corte de emperador.

Con los años, hubo ascensos y caídas de estas dinastías de señores de la guerra, con diversas batallas entre líderes de clanes. Pero, como señala Buckland, "incluso en estas primeras etapas, la cultura es enormemente importante. La cultura es poder".

Los líderes militares, llamados shōguns, se dieron cuenta de que no podían ejercer con éxito su autoridad si mantenían la mentalidad de señores tribales.

Así que encontraron maneras de complementar su fuerza militar con modos más sutiles y sofisticados de ejercer poder dentro de la sociedad cortesana.

Su manual de gobierno se basaba en la filosofía china, principalmente en las ideas de Confucio.

"En el pensamiento neoconfuciano", dice Buckland, "debe haber un equilibrio entre el poder militar y la habilidad cultural".

La consecuencia fue una creciente inversión en poder blando dentro de las cámaras impregnadas de incienso de la corte.

Además de ser expertos en el arte de la guerra, los samuráis se volvieron versados en las artes refinadas de la pintura, la poesía, la música, el teatro y las ceremonias del té.

Un abanico que representa orquídeas, pintado en el siglo XIX por un artista samurái, es uno de los objetos más bellos e inesperados de la exposición.

Con los años, los samurái no solo fueron guerreros, sino también administradores del Estado japonés.
 

Shōgun, la serie de Disney/FX cuya segunda temporada está actualmente en producción, ofrece un relato ficcionalizado de uno de los puntos de inflexión en la historia de los samuráis.

En el siglo XVI, un líder de clan, Tokugawa Ieyasu (representado por el ficticio Yoshii Toranaga en la serie) estableció un gobierno tan exitoso que duró 250 años.

Esto significó que ya no hubo grandes batallas dentro de Japón, y los samuráis asumieron nuevos roles. En lugar de comandar el campo de batalla, ahora administraban el Estado.

"Son los ministros, los legisladores, los recaudadores de impuestos", dice Buckland.

Asumieron trabajos que se extendían por toda la corte, "hasta ser los guardias de las puertas del castillo".

 

Mujeres samurái

Durante este nuevo régimen, conocido como el Shogunato Tokugawa, las familias de los daimyos (los señores regionales de Japón) fueron obligadas a vivir en su base de poder, la ciudad de Edo (Tokio).

"Son una especie de rehenes, cerca del shōgun para que él pudiera mantenerlos bajo control", dice Buckland. Era un medio para asegurar la obediencia y lealtad de los samuráis.

"No puedes estar conspirando en las regiones si tu esposa y tu heredero están en Edo, porque podrías perder acceso a ellos, o podrían ser ejecutados".

El resultado fue una mayor importancia del papel de las mujeres en los círculos samurái, según Buckland.

"Las mujeres dirigen los hogares mientras sus esposos están a menudo ausentes. Y si eres un samurái de alto rango, podrías tener 40 o 50 personas en tu casa. Es como dirigir un pequeño negocio".

Además de supervisar al personal y a los comerciantes, también gestionaban la educación de sus hijos y recibían invitados siguiendo los rituales y procedimientos requeridos.

Diversos objetos en la exposición del Museo Británico, como túnicas, manuales de etiqueta y accesorios, cuentan las historias de vida de estas mujeres samurái.

 

Una muestra de digital de la exposición "Samuráis" del Museo Británico.

 

Durante el Shogunato Tokugawa, las obras de teatro, poemas y obras de arte exaltaban cada vez más a los legendarios samuráis del pasado, enfatizando su heroísmo, valor y lealtad.

La mayoría proclamaba las virtudes de los hombres, pero algunas también relataban historias de mujeres guerreras samurái.

Un grabado ukiyo-e de 1852 muestra a una de estas mujeres: Tomoe Gozen, esposa de un general del clan Minamoto.

La muestra en la Batalla de Awazu en 1184, donde se decía que había rastreado al temible guerrero Hachirō Morishige, lo derribó de su caballo y le arrancó la cabeza con sus propias manos.

 

Declive y renacimiento

Durante la era Meiji (1868-1912), Japón abrió sus fronteras al comercio internacional y comenzó a modernizar su industria, su ejército y sus instituciones sociales. Entre los cambios estuvo la abolición oficial de la clase samurái en 1869. Fue otro momento crucial en su historia.

"En este punto, la imagen del samurái se vuelve pura ficción", dice Buckland. "Se rechaza durante unos 25 años, pero luego surge la nostalgia y su imagen se revisita".

Fuera de Japón, una nueva fascinación por los samuráis llevó a la popularidad de libros como "Bushido: El alma de Japón" (1899), escrito por Nitobe Inazō, un cuáquero japonés que vivía en California.

"El libro fue muy leído", dice Buckland.

"Theodore Roosevelt compró múltiples copias para regalarlas a sus amigos. Se usó para explicar el éxito de Japón porque recientemente había ganado la Guerra Sino-japonesa y luego derrotado a Rusia".

Dentro de Japón, a lo largo del siglo XX, se distorsionó la imagen de los samuráis con distintos fines, como propaganda militar y símbolo de la nación.

Después de la Segunda Guerra Mundial, los relatos sobre ellos renacieron una vez más, esta vez como tema de películas.

El traje del mítico personaje de Star Wars, Darth Vader, fue inspirado en las armaduras de los samurái

 

El más famoso de los directores detrás de estas cintas fue Akira Kurosawa, cuyo talento para la narración visual y el manejo de secuencias de acción tuvo un impacto importante en el cine estadounidense.

"Los siete samuráis" (1954) fue reinventada como "Los siete magníficos" (1960), y "Yojimbo" (1961) inspiró "Por un puñado de dólares" (1964).

Posteriormente, Hollywood incluso produjo sus propias películas de samuráis, como "El último samurái" (2003) y "47 Ronin" (2013), y la popularidad de todo lo relacionado con estos guerreros quedó reafirmada recientemente con el éxito de la mencionada "Shōgun", basada en la novela de 1975 del escritor inglés James Clavell.

Como demuestra la exposición, la película original de Star Wars, "Una nueva esperanza" (1977), se inspiró en "La fortaleza escondida" (1958) de Kurosawa, y muchos de los trajes fueron influenciados por la armadura samurái, siendo el de Darth Vader -expuesto en la sala final de la exhibición- el más icónico.

La verdadera historia de los samuráis es una de evolución y adaptación, desde sus inicios como mercenarios medievales hasta su posterior estatus como burócratas refinados y mecenas de las artes.

Pero su leyenda ha demostrado ser una fuente perenne de intriga y fascinación, mantenida viva durante décadas en el arte, el cine, los videojuegos y la ficción.

"Y esperamos", dice Buckland sobre la exposición del Museo Británico que cierra este 4 de mayo, "que la gente se sienta inspirada a crear nuevas representaciones de los samuráis".

 

Fuente: Historia de los Samuráis 

 

 

 

Colección Grandes Éxitos RBA

RBA Editores

1993-1995

La ponemos como Colección Grandes Éxitos RBA para diferenciarla de otras que se llaman igual.

Entre 1995 y 1998 RBA publicó otras 2 colecciones llamadas nuevamente Grandes Éxitos, en tapa dura y blanda, con distinta numeración y diferente portada, y con muchos de los mismos títulos y añadiendo otros que no figuraron en la que citamos. Me puedo equivocar pero creo estar seguro de lo que digo luego de  revisar todos los títulos de este listado, numeración, portadas, contraportadas y otros detalles.

Se nota que aprovecharon el tirón de las películas de la época de los 90 para saber qué títulos incluir en la colección junto con varios más muy conocidos.

Lo de dos títulos en los números 1, 3, 8 no es raro y además confirma lo anterior. Hubo además dos títulos con el número 20 como el de Fallaci y uno de terror, y en el número 85 con Stephen King y Robin Cook.

No incluimos los títulos de terror que se pueden ver aquí .

Tampoco están los que tengan pseudociencia o espiritismo. 

1. Thomas Harris. El silencio de los corderos
1. Jack Engelhard. Una propuesta indecorosa
2. Mario Puzo. El Padrino
3. Michael Blake. Bailando con Lobos (Baila con Lobos)
3. Tom Clancy. Juego de Patriotas
4. Margaret Mitchell. Lo que el viento se llevó
6. Alberto Vázquez-Figueroa. Tuareg
7. Ken Kesey. Alguien voló sobre el nido del cuco
8. John Le Carré. La Casa Rusia
8. Gary Jennings. Azteca
9. Tom Clancy. La Caza del Octubre Rojo
10. Scott Turow. Presunto Inocente
11. Robert Graves. Yo, Claudio
12. Alice Walker. El Color Púrpura
13. Dominique Lapierre. La Ciudad de la Alegría
14. Frederick Forsyth. El Negociador
15. Colleen McCullough. El pájaro espino (o El pájaro canta hasta morir)
16. Paul Scott. La Joya de la Corona (El Cuarteto del Raj 1)
17. Mika Waltari. Sinuhé, El Egipcio
18. Henri Charrière. Papillon
19. Betty Macmoody y William Hoffer. No sin mi hija
20. Oriana Fallaci. Inshallah
21. Dominique Lapierre y Larry Collins. El Quinto Jinete
22. Frederick Forsyth. Chacal (o El Día del Chacal)
24. John Fowles. La Mujer del Teniente francés
26. Harold Robbins. Avenida del Parque 79 
27. Alexandra Ripley. Scarlett I*
28. Alexandra Ripley, Scarlett II
30. Alberto Vázquez-Figueroa. Ébano
31. Leonore Fleischer. Rain Man
32. Paul Scott. El día del escorpión (El Cuarteto del Raj 2)
33. Scott Turow. El peso de la prueba
34. Paul Theroux. La Costa de los Mosquitos
36. Richard Osborne. Instinto Básico
37. Harold Robbins. El descenso de Xanadú
38. Ken Follet. La Isla de las tormentas
39. Elizabeth McNeill. Nueve semanas y media
40. Richard Condon. La Familia Prizzi
41. Dominique Lapierre y Larry Collins. Oh, Jerusalén I
42. Dominique Lapierre y Larry Collins. Oh, Jerusalén II
43. Robin Cook. En Coma (Coma)
44. Alberto Vázquez-Figueroa. Sicario
45. Frederick Forsyth. El Cuarto Protocolo
46. John Grisham. La Tapadera (o La Firma, The Firm)
47. Irving Wallace. El Séptimo Secreto
48. Paul Scott. Las Torres de Silencio (El Cuarteto del Raj 3)
49. Ken Follet. El valle de los leones
51. Larry Collins. Juego Mortal
52. Harold Robbins. Pirañas
54. Frank G. Slaughter. Trasplante
55. Alex Haley. Raíces (I)
56. Alex Haley. Raíces (II)
57. John Le Carré. Un Espía Perfecto
58. Jack Higgins. Ha llegado el águila
59. Lawrence Sanders. El Séptimo Mandamiento
60. Frederick Forsyth. La alternativa del diablo
61. Fernando Sánchez Dragó. El camino del corazón
62. Robin Cook. El falso dios (o Como si fuera dios)
63. Harold Robbins. Betsy
64. Victoria Holt. La isla del paraíso
65. Noah Gordon. Chamán (I)
66. Noah Gordon. Chamán (II)
67. Ken Follet. Noche sobre las aguas
68. Martin Cruz Smith. El Parque Gorki
70. Danielle Steel. Vidas cruzadas
71. Dominique Lapierre. Más Grandes que el Amor
72. John Irving. El mundo según Garp
73. Mario Puzo. El Siciliano (o Salvatore Giuliano El Siciliano)
74. John Grisham. El Informe Pelícano
75. Robert Ludlum. El Caso Bourne (I)
76. Robert Ludlum. El Caso Bourne (II)
77. Nora Ephron. Se acabó el pastel
80. Tom Wolfe. Elegidos para la Gloria (o Elegidos para la Gloria. Lo que hay que tener, The Right Stuff)
82. Robert Graves. Claudio el dios y su esposa Mesalina
83. Noah Gordon. El Rabino
84. Danielle Steel. Álbum de Familia
85. Robin Cook. Terminal
87. Irving Wallace. La isla de las tres sirenas
88. Robert Ludlum. … Y nada más que la Verdad
90. Lawrence Sanders. El Chantaje de Sullivan
91. Fernando Vízcaíno Casas. Niñas… ¡Al Salón!
93. Erica Jong. Canción triste de cualquier mujer
94. Barbara Wood. Constantes Vitales
96. Dan Simmons. Hyperion
97. Noah Gordon. El Médico (I)
98. Noah Gordon. El Médico (II)
99. Paul Scott. Reparto de Despojos (El Cuarteto del Raj 4)**


*Continuación de Lo que el viento se llevó, de Margaret Mitchell.
 
**Raj: La India británica constituyó el régimen colonial instaurado por el Imperio británico en el subcontinente indio desde 1858 hasta 1947. Este periodo también es conocido bajo el nombre de Raj británico. Wikipedia

De edificios emblemáticos a avances en la medicina: grandes ideas que nacieron garabateadas en servilletas

 

 

Hay servilletas que han hecho historia.

 

 

Por Dalia Ventura

BBC News Mundo

 

 

"¡Servilletas de papel! ¡Quién ha oído semejante disparate! ¿Para qué sirven?".

Eso exclamaban "muchas buenas amas de casa" al enterarse que estaban a la venta, contó en 1896 Helen Thompson, de la revista Brooklyn Magazine.

Poco a poco, sin embargo, irían conquistando espacios públicos hasta que en la década de 1950 empezaron a recibir el sello de aprobación de los rectores de la etiqueta, y a volverse ubicuas.

Desde entonces, muchos arquitectos o sus allegados les responderían a esas amas de casa que las servilletas de papel servían para verter ideas. 

Incontables diseños de edificios de todo el mundo empezaron esbozados en esos trozos de papel producidos para limpiarse al beber o comer, incluidos varios famosos, como el Museo Guggenheim Bilbao.

El influyente arquitecto Frank Gehry contó que cuando fue nominado para diseñarlo, estuvo una noche en un bar cercano y comenzó a esbozar un diseño en una servilleta de cóctel, sin levantar el bolígrafo del papel para lograr un diseño fluido.

La práctica es tan valorada en la arquitectura que hay subastas de servilletas, y la frase "boceto en servilleta" es sinónimo del momento de la génesis conceptual.

Pero también fuera de ese círculo, hay servilletas que han hecho historia.

Probablemente no reconocerías el nombre David H. Shepard.

Ni tampoco el de su creación, a pesar de que seguramente la has visto, y a menudo.

Shepard fue el inventor de una de las primeras máquinas que leía recibos de tarjetas de crédito.

Su Corporación de Investigación de Máquinas Inteligentes desarrolló y vendió los primeros sistemas de reconocimiento óptico de caracteres a empresas como AT&T, First National City Bank, Reader's Digest y la mayoría de las principales petroleras.

Sin embargo, detectó un problema.

Como el reconocimiento óptico de caracteres se implementó por primera vez en las gasolineras, cuando la gente usaba tarjetas para pagar, los recibos inevitablemente se manchaban de grasa, aceite y otras sustancias.

Necesitaba idear la forma de combatir esa contaminación de los datos financieros.

Y lo hizo, en una servilleta, durante una cena con su esposa en el Hotel Waldorf-Astoria de Nueva York, en 1952.

Buscando las formas más simples y abiertas posibles, lo que dibujó fueron esos números rectilíneos que aparecen en muchas tarjetas de crédito.

Para que el reconocimiento de los datos fuera más fiable, Shepard decidió crear una fuente solo para dígitos.

 

La fuente numérica Farrington B se transmitía con claridad al usar los dispositivos de procesamiento de tarjetas analógicos de mediados del siglo XX.

Hoy en día, las compañías de tarjetas de crédito pueden usar cualquier fuente para el número de cuenta, pues toda la información pertinente se obtiene de la banda magnética o del chip EMV.

Pero esos distintivos dígitos se siguen usando con frecuencia pues Farrington B es casi una tradición.

 

La imagen de tus órganos

A principios de la década de 1970, el químico estadounidense Paul Lauterbur ya era uno de los principales especialistas en espectroscopia de resonancia magnética nuclear (RMN).

La técnica se basa en las propiedades magnéticas del hidrógeno presente en el agua, que constituye aproximadamente dos tercios del cuerpo humano.

Cuando los átomos de hidrógeno se ponen en un potente campo magnético y se bombardean con ondas de radio, emiten señales que proporcionan información sobre su entorno local.

Los químicos utilizaban RMN para determinar la estructura de las moléculas orgánicas.

Pero hasta entonces a nadie se le había ocurrido que podía llegar a ser una herramienta que los médicos podrían usar para crear imágenes detalladas de órganos internos.

De una servilleta a un premio Nobel: Lauterbur lo recibió de manos del rey Carlos Gustavo Suecia en Estocolmo en 2003. 

 

La idea se engendró tras un encuentro furtivo de Lauterbur con un investigador en el verano de 1971.

Le habló sobre un estudio de tejidos cancerosos con ratas que intentaba ver si con RMN se podía detectar tumores.

Lauterbur quedó impresionado, pero le pareció "demasiado desagradable" el que se tuvieran que sacrificar animales para investigar: debería ser posible obtener la misma información de forma no invasiva desde fuera de un cuerpo vivo, pensó.

Esa misma noche, se fue a comer al restaurante Eat'n Park Big Boy de Pittsburgh, y mientras reflexionaba garabateó ideas en una servilleta de papel.

Esas ideas, concebidas entre bocados de hamburguesa, propiciaron el nacimiento de la resonancia magnética, o IRM.

Más de 30 años después recibió el Premio Nobel de Fisiología o Medicina (2003) por darle a los médicos la capacidad de mirar dentro del cuerpo humano sin utilizar radiación dañina.

 

Los datos invisibles

Quizás resulte curioso que en el campo de la tecnología, que ha creado tantas herramientas para reemplazar al lápiz y papel, el boceto en servilleta también haya jugado un rol.

Sin embargo, ha ocurrido en más de una ocasión.

La más legendaria tiene que ver con la creación de Ethernet, el sistema para conectar dispositivos que precededió al ahora omnipresente Wi-Fi.

Y se sigue usando, porque enviar datos por cable es más rápido, fiable y seguro que enviarlos mediante ondas de radio.

El nombre "Ethernet" proviene de la referencia histórica al éter luminífero, una teoría del siglo XIX sobre una sustancia que se creía que transportaba ondas electromagnéticas.

 

El sistema fue creado inicialmente en 1973 por un grupo de ingenieros del Centro de Investigación Xerox Palo Alto (PARC).

Uno de ellos era Robert Metcalfe, quien era especialista en comunicaciones.

Le encomendaron la tarea de diseñar y construir la red que uniera unas computadoras llamadas Alto, que ya disponían de capacidades gráficas y ratón, y serían consideradas los primeros ordenadores personales.

La idea, que ahora parece obvia pero era revolucionaria, era conectarlas para poder compartir información e imprimir documentos. 

Metcalfe realizó el primer boceto conceptual en una servilleta, dibujando un diagrama para conectar varias computadoras en una red de área local.

Y lo etiquetó con una palabra: "¡ETHER!".

 

Una curva económica

En uno de los momentos icónicos de la economía moderna, un joven profesor dibujó un sencillo gráfico en una servilleta en 1974, y trazó una nueva dirección para el Partido Republicano de EE.UU.

Los detalles de la reunión en la que Laffer dibujó su curva son confusos, la servilleta de papel ya no existe, y una de tela que fue exhibida en el Smithsonian es de dudosa procedencia. Pero la curva de Laffer sigue surgiendo en el discurso público.

El profesor era el economista Arthur Laffer y la legendaria reunión fue con Dick Cheney, en un restaurante en Washington DC.

Cheney era en ese entonces el segundo al mando de Donald H. Rumsfeld, jefe de gabinete del presidente Gerald R. Ford, quien había subido los impuestos para controlar la inflación.

Laffer quería mostrarle por qué el gobierno federal debía bajarlos.

Aunque sonara contrasentido, aseguraba, la rebaja se pagaría sola pues se incrementaría la recaudación fiscal y aumentaría la actividad económica.

Esbozó una curva para ilustrar su argumento de que existe una tasa impositiva óptima que maximiza los ingresos del gobierno.

Pero que, después de ese punto, el aumento de impuestos conlleva una disminución de los ingresos públicos.

Alegaba que las tasas impositivas altas eran contraproducentes pues desincentivaban la actividad económica y fomentaban la evasión fiscal al punto que en realidad reducían los ingresos del gobierno.

La más tarde denominada Curva de Laffer se hizo famosa; el Partido Republicano se convirtió en el partido de los recortes de impuestos.

La curva sirvió para justificar las políticas económicas del presidente Ronald Reagan, pero sus recortes de impuestos no se amortizaron por sí solos y provocaron un aumento de la deuda pública.

Aunque la teoría ha sido desacreditada por varios economistas, sigue teniendo defensores y su atractivo es perdurable entre quienes abogan por contribuir menos a las arcas de los Estados. 

 

Una legendaria lluvia de ideas

"En el verano de 1994, yo, John Lasseter, Pete Docter y Joe Ranft nos sentamos a almorzar", contó el cineasta Andrew Stanton en uno de los tráilers de la película animada "WALL-E" de Pixar.

Stanton, Lesseter, Docter y Ranft (quien murió en un accidente en 2005) eran cuatro de los principales directores del que se convertiría en uno de los más exitosos estudios de animación del mundo.

Casi todas sus películas serían nominadas y muchas galardonadas con premios Óscar.

Pero eso aún estaba por venir: desde su creación en 1986, hasta el estreno de "Toy Story" en 1995, pocos sabían de su existencia.

El adorable robot de WALL-E fue la última idea que surgió durante un almuerzo memorable hace tres décadas. 

 

El almuerzo que recordó Stanton fue en el Hidden City Cafe, cerca de los estudios Pixar en Point Richmond, California, y tuvo lugar cuando "Toy Story estaba casi terminada", relató.

"Pensamos: '¡Caramba! Si vamos a hacer otra película, tenemos que empezar ya'".

Y empezó una lluvia de ideas realmente fabulosa.

"Barajamos un montón de ideas que finalmente se convirtieron en 'A Bugs Life' (Bichos: Una aventura en miniatura), 'Monsters, Inc.', 'Finding Nemo' (Buscando a Nemo) y la última que comentamos ese día fue la historia de un robot llamado Wally".

Los cuatro comensales dibujaron bocetos de personajes en las servilletas del café.

El robot se convirtiría en el protagonista de "WALL-E".

En las notas de producción de esa cinta animada, Stanton dijo: "Una de las cosas que recuerdo que surgió de esto fue la idea de un pequeño robot dejado en la Tierra".

"No teníamos una historia. Era una especie de pequeño personaje tipo Robinson Crusoe: ¿qué pasaría si la humanidad tuviera que abandonar la Tierra y alguien olvidara apagar el último robot, y no supiera que podía dejar de hacer lo que está haciendo?".

WALL-E se estrenó en 2008 y, aunque fue un riesgo para el estudio pues no había muchos diálogos, como todas las demás películas ideadas durante ese almuerzo, enamoró al público y fue aclamada por los críticos.

El Hidden City Cafe ya no existe, pero aparece en una escena de "Monsters, Inc.".

 

Fuente: Grandes ideas garabateadas en servilletas 

 

 

Un Día como Hoy en un Libro

1971

Serpico pasó todavía otra semana en el hospital. (…)
Salió del hospital el día 15 de marzo en un coche de la policía sin distintivos. Le llevaron al cuartel general del mando del barrio de Brooklyn, donde recogió sus pertenencias, su Browning automática y su revólver de servicio del 38 (…) y una caja de cartón con todas sus ropas.

Serpico, de Peter Maas (traducción de Joana Hansen).



44 a. C.

Idus (latín idus) En el calendario romano, el día 15 de marzo, mayo, julio y octubre y el 13 de los demás meses.
César fue asesinado en los idus de marzo del año 44 a. de J.C. 

Diccionario Pequeño Larousse Ilustrado


1916
Marzo 15. Estados Unidos envía una expedición de castigo a México.

Nota.– El presidente Wilson envió soldados en busca del revolucionario mexicano Pancho Villa.

 

1917
Nicolás II abdica el 15 de marzo. El príncipe Lvov, Pável Miliukov y Aleksandr Kerenski forman gobierno en Rusia.


1939
Marzo 15. Las tropas alemanas ocupan Bohemia y Moravia, que se convierten en un protectorado bajo  las órdenes de von Neurath.


1943. Las tropas soviéticas se ven obligadas a  evacuar Járkov.

Informatodo 1972
Informatodo 1973


1945
Operación Secreta de la Segunda Guerra Mundial

Undertone. Operación aliada en el frente de Coblenza, Maguncia y Estrasburgo, de marzo 15 a 24, 1945.

Almanaque Mundial 1975


1969
Graves incidentes ruso-chinos en la isla Damanski (15 de marzo).

Informatodo 1972


 

1970
Marzo
15. Se inaugura la Feria Internacional de Osaka (Expo 70)
—Comandos israelíes penetran 35 km en Siria para atacar un campamento militar a 13 km de la capital, Damasco, y sabotean una central eléctrica a sólo 8 km de la misma.

Almanaque Mundial 1971


1976
Marzo
15. El presidente de Níger, Seyni Kountché, reafirma su poder después de un intento de golpe de estado

Almanaque Mundial 1977


1979

Marzo
15/18. El gobierno de Pekín anuncia que todas sus fuerzas se han retirado de Vietnam, coincidiendo con las ofertas de Hanoi de iniciar conversaciones de paz para normalizar las relaciones entre los dos países.

Almanaque Mundial 1980


1981

Fallecimiento
Rene Clair. 82, director francés de cine, considerado uno de los más grandes de esa industria; dirigió 28 películas entre 1923 y 1965. Marzo 15 en Neuilly (Francia).

1982
Marzo 15

El gobierno sandinista de Nicaragua suspende los derechos constitucionales por 30 días y declara al país en estado de sitio.  Alegó que tomaba esas medidas porque Estados Unidos estaba apoyando las acciones contrarrevolucionarias para desestabilizar al gobierno.

Almanaque Mundial 1983


1991

Marzo 15. Yugoslavia cae en el caos político cuando la presidencia colectiva queda maltrecha por las renuncias de sus integrantes, la negativa de Serbia a obedecer al gobierno nacional y la amenaza de los militares de tomar el poder. El último de estos hechos es la renuncia hoy de Borisav Jovic a la presidencia colectiva, el más alto cuerpo de la nación.

Almanaque Mundial 1992

Groucho, un chiflado inmortal

Fue un Voltaire del teatro de variedades y un mago de la locura de la lógica. Sus arranques de calculada demencia expresaban lo que el resto de nosotros no tenemos el talento, y mucho menos la audacia, de decir.

Por Leo Rosten

 

MI TELÉFONO sonó en Beverly Hills, California, hace muchos años.
‒Hola ‒contesté.
‒¿Tengo el honor de dirigirme a Marmaduke Montague, proctólogo mundialmente famoso?
‒No, señor; marcó un número equivocado.
‒Entonces, ¿por qué contestó usted? Durante años he estado marcando este número y hablando con el profesor Marmaduke Montague. ¿Qué ha hecho usted con su cadáver? Voy a llamar a la policía. Lo que voy a contarles no es asunto suyo. ¿Qué número marqué?
‒Crestview 8-29.
‒¡Ajá! ¡Así que lo admite! Si fuera usted hombre, vendría y me tumbaría los dientes.
‒Pero…
‒Si fuera la mitad de un hombre, me tumbaría la mitad de los dientes.
‒¿Quién…? ‒intenté preguntar.
‒Y si fuera mujer podríamos bailar la noche entera.

Transcurrieron muchos minutos antes de que pudiera bajar a Groucho Marx de las elevadas y delirantes alturas en que adoraba habitar. Después declaró el motivo de su llamada: “¿No tienes hoy compromiso para almorzar? ¡Bien! En el Restaurante Derby, a las 12:30. Llevaré una rosa aprisionada entre los dientes”.
En los diez años que estuve “perpetrando” películas en Hollywood, fui el blanco de muchos de estos desvariados telefonemas. No era fácil reconocerlos, pues los hacía a todas horas, con una artificiosa diversidad de voces ‒desde joviales falsetes hasta siniestros tonos de barítono‒ y acentos extranjeros excelentemente imitados.

Ante todo, las llamadas empezaban con un saludo muy convincente:
“Hola. Me llamo Iphigene Wimbledon. ¿Es usted Leo Rosten?”
O bien: “Aló. Aquí el señog Pierre du Jovert, directeur extraordinaire de la agencia de viajes Tours Eiffel…”
O: “Soy Floyd Hollister, de Sloat, Bankhead y Dooley, nombrado por el tribunal de testamentarías del distrito sur de California, albacea de los bienes de Elmo Rosten, el magnate petrolero de Waco, Texas”.
Tan pronto como caía yo en la trampa, el Maestro redoblaba el ataque. Iphigene Wimbledon me propuso poner en venta a mi hijo: “Un chico así así le produciría entre diez y doce mil dólares, según el mercado actual”. Pierre Jouvert me leyó una oda pornográfica a las catacumbas: “Puede usted adquirir la serie completa, encuadernada en piel de oruga, por sólo…” Y el tal Floyd Hollister trataba de localizar a parientes de Elmo Rosten, en especial a sor Teresa Ginsberg, porque en su testamento “legaba su colección de rollos de pergaminos jordanos con inscripciones a la Orden de los Caballeros de Malta Cervecera”.

Cierta vez se me acusó de albergar al cabecilla de una banda de tratantes de blancas; fui engatusado por la Liga para la Erradicación de la Supuración Axilar, y conminado a pavimentar mi jardín por sólo un dólar el metro cuadrado: “Esta oferta expira a medianoche; después costará un dólar el centímetro cuadrado”. Un dentista de Pomona me rogó que le permitiera ponerle a mi madre premolares de acero inoxidable totalmente gratis: “Es la única manera que tengo de darme a conocer en este asilo para enfermos dentales”.

En cuanto a nuestro almuerzo, que trascurrió en el Derby, casualmente no se registró en él arranque alguno de desvarío galopante. Marx habló en forma inteligente y con elocuencia del presidente Truman, del escritor Ernest Hemingway y del beisbolista Joe DiMaggio, a quienes admiraba mucho.

Fue el Voltaire del teatro de variedades, y el creador de la comedia del agravio esquizofrénico. Sus afrentas siguen siendo únicas, por desconcertantes. Un turista ebrio pasó el brazo sobre los hombros de Groucho y cacareó:
‒Groucho, grandísimo bribón, apuesto a que no te acuerdas de mí.
Marx clavó en el infeliz una mirada llena de odio, mientras le decía:
‒Caballero, nunca olvido un rostro, pero en su caso haré una excepción.

El desinhibido delirio de Groucho ‒ exacerbado por esa voz áspera, esa mancha negra que tenía por bigote, ese lascivo modo de andar a grandes zancadas, ese incesante menear de cejas, ese ojo estrábico, esa mirada de agrio desprecio‒ se conjugaba con un desplante matizado de amargura. Sus arranques de calculada demencia expresaban lo que el resto de nosotros no tenemos el talento, y mucho menos la audacia, de decir. Al salir de la proyección preliminar de una película estelarizada por Doris Day, en la que esa inocente y sana doncella típicamente norteamericana pasa hora y media resistiéndose a los requiebros de Cary Grant, alguien preguntó a Groucho:
‒¿Conoce usted a Doris Day?
A lo que Groucho contestó con mordacidad:
‒¡Diablos! La conocí antes de que fuera virgen.
Admirábamos su pasmoso cinismo, sino también su jocosa crítica de los trillados convencionalismos de la conversación o de la etiqueta. En cierta ocasión, cuando estaba por salir después de una cena en su casa, le dije:
‒Me gustaría despedirme de tu esposa.
Me miró fijamente y me espetó:
‒¿Y a quién no?

Groucho perfeccionó la lógica de la locura y se mofó de la locura de la lógica. Considérese la manera en que renunció a seguir formando parte de cierto club: “No deseo pertenecer a un club que acepta a miembros como yo”.
Una magnífica variante de la paralógica de Groucho ocurrió un día que paseaba en coche cerca del mar con un amigo. Avistó un club de playa con una hilera de hermosas cabañas.
‒Ese sería un buen club para mí y mi familia.
‒Mmm… olvídalo, Groucho. No admiten judíos.
A esto, Groucho, cuya esposa no era judía, respondió:
‒¿Crees que permitan a mi hijo meterse en el agua hasta las rodillas?

Groucho era delgado, apacible y más pequeño  de lo que parecía en la pantalla de cine o de televisión. Hablaba con voz suave y sonreía nostálgicamente. Nunca lo oí reírse a carcajadas, ni siquiera de los chistes o de comediantes que le gustaban. Su expresión natural tenía ribetes de tristeza, pero en público se ponía una máscara de búho sardónico. Ocultaba sus emociones y no hizo confidencias ni a sus esposas ni a sus hijos. En realidad, era melancólico y solía deprimirse, como les ocurre a muchos cómicos.

Era lector voraz y se sentía orgulloso de que el escritor James Joyce hubiese empleado la palabra groucho en la novela Finnegan’s Wake (La Velada de Finnegan). En lo más íntimo de su ser deseaba haber sido escritor. Adoraba las canciones de los británicos Gilbert y Sullivan, y durante horas solía cantarlas ‒acompañándose con la guitarra‒ con esa voz estridente y nasal que era en sí una parodia.

Le interesaban profundamente los temas políticos, y se sintió halagado cuando supo que una noche, durante la Segunda Guerra Mundial, el primer ministro inglés Winston Churchill recibió una llamada telefónica en su residencia oficial en la que se le iba a informar de un boletín del Ministerio de Guerra. Pero el gran estadista estalló: “¡No me interrumpan! ¡Estamos viendo una película de los Hermanos Marx!”

Por cierto, los Hermanos Marx fueron hermanos de verdad ‒al principio cinco‒, que escalaron rápidamente la cumbre de la fama en los espectáculos de variedades y en Broadway, durante la década de los años 20, con un estilo de comedia original, bullicioso y desenfadado.
En escena, los cuatro Hermanos Marx (Groucho, Chico, Harpo y Zeppo) hacían estragos en los guiones y les fascinaba interpolar de improviso frases desconcertantes. En una ocasión, Groucho se hallaba a la mitad de una escena amorosa chusca con una dama de aire arrogante y pecho formidable; tras bambalinas, Zeppo gritó de improviso:
‒¡Está aquí el hombre de la basura!
Aún de rodillas, Groucho respondió:
‒Dile que no queremos.

En otra parodia en la que Groucho representaba a Napoleón, los hermanos que estaban fuera del escenario interrumpieron la pieza haciendo que una trompeta tocara los primeros acordes de La Marsellesa, el himno de Francia. Zeppo gritó:
‒¡Majestad, nuestro himno nacional: La Mayonesa!
Groucho se dirigió al público: “El ejército debe de estar aderezándose”.

Tenía un popular programa de radio y televisión, en el que creó una especie de maestro de ceremonias nunca antes  (ni después) vista. Me hallaba detrás del escenario una noche en que uno de los concursantes resultó ser de una región rural. Llamémoslo Floyd.
‒¿Cómo conoció usted a su esposa?
‒Bueno, yo conduzco un camión…‒respondió Floyd.
‒¿La atropelló usted?
‒No. Ella estaba en el granero.
‒¿Chocó usted contra el granero?
‒¡No, no! Su familia había echado de menos algunos pollos.
‒¿Sentían nostalgia por los pollos?
‒No; habían advertido su ausencia, así que encendieron una luz en el patio del granero. Yo iba a recoger unos pavos y su padre gritó: “¡Los pavos están en el granero…!”
‒¿Se casó usted con un pavo?
‒¡No! Al acercarme al granero, un enorme zorrillo salió corriendo hacia el gallinero y una chica gritó: “¡Atrapen a ese zorrillo!” Así que salté sobre el animal y ella también cayó sobre él, y ambos olíamos tan mal que…
‒Es la historia más romántica que he escuchado.

Una vez ofreció escribir la solapa de uno de mis libros: “Desde el momento en que tomé el libro hasta que lo guardé, no pude dejar de reír. Espero leerlo algún día”.
Sin embargo, de todos sus juegos de palabras, el que más admiro es el siguiente: 

Querido Junior:
Discúlpame por no haberte contestado antes. He dejado de escribir tantas cartas últimamente, que me las vi negras para no contestar la tuya.

El hombre sentía la necesidad de desinflar el decoro con la sátira. Durante la Segunda Guerra Mundial estuvo en un campo de adiestramiento del Ejército para divertir a los soldados. En el cuartel del general en jefe, el teléfono sonó y Groucho levantó el auricular.  Como jamás iba a decir “Hola”, “Cuartel General” o siquiera “Despacho del general H…”, mi héroe canturreó: “Segunda Guerra Mundiaaal”.

Ante todo, detestaba la simulación. No toleraba el ocultismo, pero se le engatusó una vez para que asistiera a una sesión espiritista. Estuvo sentado, en silencio y con actitud respetuosa, mientras el “operador” miraba la bola de cristal, invocaba a las almas del más allá y respondía las preguntas de sus invitados con voz misteriosa y monótona. Tras un prolongado rato de omnisciencia, el hechicero recitó:
‒Mi médium… se está cansando. Sólo hay tiempo para una pregunta más.
Groucho la hizo:
‒¿Cuál es la capital de Dakota del Norte?

En sus últimos años se vio coronado por una renovada popularidad, sólo oscurecida por las muertes de sus hermanos y amigos. Además, Groucho fue víctima de una serie de padecimientos que le afectaron tanto el habla como la memoria. Creo que su muerte, en 1977, a los 86 años, lo liberó de la angustia de la incapacidad.

Y siento ahora una infinita tristeza al comprender que mis oídos no sufrirán con esa voz estridente y nasal, cuando peroraba: “Soy Hiram Trotter, de las encuestas de opinión Gallup. ¿Está usted en favor de que la CIA envíe ilegalmente rompecabezas armados a Fidel Castro”.



Revista Selecciones del Reader’s Digest, Tomo LXXXV, Número 507, Año 43, Febrero de 1983, págs. 11-15, Reader’s Digest Latinoamérica, S.A., Coral Gables, Florida, Estados Unidos

 

Nota: Como el 2 de octubre se recuerda otro año más del nacimiento de Groucho Marx (en 1890) quise compartir este artículo con los visitantes-lectores del blog.